Alessandro Coimbra Blog

Palmas

2012-02-16T10:44:00.007-02:00

A uma criança a dançar ao vento

"Vá lá, vá na praia dançar;
Pois como pensar que a incomoda
Rugido de vento ou de mar?

E solte os cabelos à roda,
molhados por gotas de sal;

Tão jovem, você desconhece
tolo exultar do boçal,
O amor que ao nascer já perece,
E o obreiro melhor que, sem vida,
Deixou a colheita ao relento

Mas como pensar que a intimida
O grito monstruoso do vento?"

(William Butler Yeats)

"Negras nuvens,

Mordes meu ombro em plena turbulência
Aeromoça nervosa pede calma

Aliso teus seios e toco
Exaltado coração
Então despes a luva para eu ler-te a mão

E não tem linhas tua palma".

( C. Buarque).

Parcerias

2012-02-07T10:18:00.001-02:00

“Em “O Aviador, após a lição da mãe de Howard, temos um salto para o milionário adulto. Ele está mergulhado no projeto de seu longa, “Hell´s Angels”, e a tensão comanda suas manobras.

Ainda que Scorsese privilegie a imagem, a montagem se faz pilhada, em frenesi. A câmera só estabelece uma relação contemplativa quando o filme orquestra uma mise-em-scène dos aviões, estes que são os verdadeiros objetos de arte de Huges.

Mas esta arte mítica da aviação, tradução de progresso e domínio do homem sobre o planeta, é efêmera. Aviões decolam, voam soberbamente e se arrebentam no chão. A arte nasce dos escombros.

As cores antinaturalistas da fotografia deixam claro que Scorsese não está reconstituindo uma época, mas sim recriando a reconstituição de uma época.

Metalinguagem à vista, está claro que seu longa está revelando a real natureza de um imaginário que se fez consagrado, oficial, sobre o país. E, claro, a resistência da arte, como uma flor no pântano.”

(Paulo Santos Lima)

Presente

2012-02-07T10:12:00.000-02:00

“O Signo do Caos” mostra o embargo da criação. No caso, Orson Welles, que é a transfiguração do próprio Rogério Sganzerla, cineasta moderno que nos últimos anos penava com seus projetos estancados.

Aqui, as experiências do cinema marginal, como a polifonia e a ausência de um fio narrativo, dizem sobre o país que queimou seu verdadeiro espelho, as imagens filmadas por Orson Welles nos anos 40.

Um país sem memória é um país falecido.”

(Paulo Santos Lima)

“Alguns anos atrás, quando eu trabalhava na RKO, assisti ao copião daquele filme sul-americano que Orson Welles não chegou a terminar – “Tudo é verdade” ( 1943). Muito era em cores.

Não sei, devo ter ficado lá sentado por umas dez horas, e não consigo descrever o que vi. Era diferente de tudo o que já tinha visto. Fantástico.”

( Frank Tashlin)

Pinheiros, Expressionismo e Mundo

2012-01-26T09:51:00.007-02:00

Texto de Ruy Gardnier, de 2001:

"Edward, O Retorno"

Tirando por A Lenda do Cavaleiro Sem Cabeça, poderia se imaginar outra vertente para a obra de Tim Burton. A fonte inicial de inspiração de seus filmes, os contos de fada invertidos, deram lugar unicamente a um apuro visual e uma incorporação romantismo-fim-de-século-XIX tanto nos visuais quanto na narrativa. Poe não estava longe, e Turner só teria que confrontar-se com as brumas ao invés da luz.

A temática social – e até metafísica – da exclusão, presente em todos seus filmes anteriores, havia saído de cena. Nada mais estimulante, então, do que saber que Burton faria um remake do Planeta dos Macacos. Bem poderíamos imaginar tudo que poderia sair desse mundo que o autor de Batman, O Retorno e Edward Mãos de Tesoura criaria: os macacos substituiriam os homens na supremacia de um mundo um pouquinho parecido com o nosso, e poderíamos nos ver no espelho do ponto de vista de símios.

Mas O Planeta dos Macacos não é só isso. Dessa vez, Tim Burton superou todas as suas melhores formulações, e fez o grande filme político dos últimos anos.

Ao contrário dos filmes de temática política, desgastados e absolutamente inúteis do ponto de vista do engajamento (alguém que já não seja de esquerda moderada vai ver um filme de Ken Loach?), é nas ficções americanas de grande orçamento que o jogo da política é melhor jogado.

John Carpenter já havia feito Fuga de Los Angeles, ode à anarquia e libelo contra toda forma de autoridade (o que repugna tanto a direita quanto a esquerda burocrática), Wes Craven fez Criaturas Atrás das Paredes, tendo como tema o racismo, Clint Eastwood realizou Crime Verdadeiro, thriller filosófico sobre a falibilidade da pena de morte (emulando Suplício de uma Alma, de Fritz Lang).

Tim Burton, ciente de sua posição no mercado, fez um filme que multiplica por n todas as suas críticas ao modelo homem-americano-branco-dominador. O Planeta dos Macacos é provavelmente o filme hollywoodiano mais sombrio e que mais despreza o poder do homem desde Os Pássaros, de Alfred Hitchcock, 1962.

Não caiamos em duas ciladas óbvias, através das quais os jornalistas e cinéfilos incautos se esbaldarão para falar mal do filme. Primeiramente, não comparemos o filme ao anterior, de Franklin Schaeffner. Trata-se de outro filme, de outra obra, sem qualquer necessidade de se remeter ao primeiro filme.

Em segundo lugar, não analisaremos o filme à luz dos padrões como roteiro, verossimilhança, etc. O Planeta dos Macacos é um conto de fadas, só deve ser analisado sob esse aspecto (ao contrário do primeiro, que era um filme de sci-fi). E, como em todos os contos de fadas, as "fraquezas" do roteiro ganham outra dimensão. Se assim observarmos o filme, veremos um roteiro excelente, que sabe atrair a atenção do espectador e guiá-lo para outra dimensão do relato.

Mas a graça do filme é que o homem jamais é visto como espelho do que o macaco é na Terra. Ele parece antes equivalente em posição na Terra ao que seriam os negros (ocupam tarefas de escravos nas casas dos macacos), os judeus (absolutamente tementes aos macacos, como os judeus em campos) ou qualquer minoria (considerados "sem alma", sem inteligência, sem saber controlar seus instintos, como os pobres do Terceiro Mundo).

Ou seja, os homens são a classe excluída da Terra. Grande sacada a de Tim Burton: dessa vez, o excluído não é mais Edward, o monstro; não é mais Pingüim, o bandido; não é Ed Wood, o pior cineasta do mundo, ou Vincent, ou Frankensalsicha, personagens de seus curtas-metragens – dessa vez, o excluído é o homem branco, o que domina o mundo. É Edward que está de volta, e dessa vez para mostrar a sua cara e garantir sua existência não num palácio de cristal, mas no mundo, para garantir sua existência diante de seus diferentes.

Não é uma visão futurística pessimista do mundo; é um diagnóstico do mundo contemporâneo. Por quê?

Porque a dialética que se desenvolve no filme não é homem/macaco, mas excluído/dominante, ou tolerante/intolerante, ou ainda com/sem sensibilidade. O filme deixa isso claro desde o início. Ari, a personagem de Helena Bonham-Carter, diz ao Capitão Leo (Mark Wahlberg) em determinado momento: "Você é sensível? A sensibilidade não é uma qualidade muito comum nos homens".

É também Edward mãos-de-tesoura, o Pingüim, todos os personagens de Tim Burton que almejam seu lugar não mais afastados do mundo que não os compreende, mas exibindo sua diferença e lutando para mantê-la existindo dentro da comunidade.

Mas Tim Burton não é voluntarista. Ele tem, antes, uma tendência ao pessimismo, porque sabe que o mundo contemporâneo não é tão fácil de ser mudado quanto o mundo dos macacos, e um happy end sempre envolveria um grau de falsidade. Ele cria um epílogo (aqui sugerimos ao leitor que ainda não viu o filme que pare sua leitura, a risco de saber de antemão o fim da história) onde Wahlberg volta à Terra, ao mesmo ano em que havia saído, 2029.

Sua espaçonave, num ato absoluto de liberdade narrativa e nenhuma verossimilhança – o que só aumenta a ênfase que se dá ao conteúdo político da trama –, aterrissa no Memorial de Lincoln. Ao subir as escadarias, observa umas inscrições e, quando a câmera desce, vemos que a estátua que lá está é a de um... macaco.

Nesse mesmo momento, chegam a polícia, os fotógrafos... os carros, as câmeras, todas são as de hoje, 2001... os carros páram, os fotógrafos se posicionam. Eles são homens? Não, são macacos. Onde estamos? Em outro mundo, em outra possibilidade da Terra, a Terra foi dominada pelos macacos?

NÃO, muito pelo contrário, estamos nesta Terra, neste tempo, e os macacos somos nós!!

O recado é inequívoco: não estamos mais na América selvagem, desbravadora, de Lincoln, Emerson e Whitman, do "governo do povo, pelo povo e para o povo" do Gettysburg Adress, mas na etapa mundial em que a América comanda a exclusão das diferenças, dentro dela mesma e no mundo inteiro. O Lincoln de hoje é um macaco.

Nós, os macacos, os intolerantes. A polícia que aponta o revólver sem perguntar o porquê, o fotógrafo que explora a imagem do "criminoso" sem se ligar nos possíveis usos que seu trabalho pode ter. Eis-te macaco, explorador!

O filme se fecha sobre essa cena, em declarado tom menor, final infeliz – menos esperando uma sequel do que abrindo para os excluídos, aqueles a quem primeiramente Tim Burton se dirige, a reunirem-se e tentar mudar o estado de coisas.

Mesmo tirante o sentido político da fábula, O Planeta dos Macacos merece muito mais atenção. A fotografia de Phillippe Rousselot, notável por renovar a fotografia em estúdio em filmes franceses da década de 80 (Beineix notadamente), é exuberante e remonta incrivelmente ao trabalho de A Lenda do Cavaleiro sem Cabeça, em suas paisagens fantasmagóricas fortemente carregadas no cinza. E a maquiagem, é digna de ser elogiada por não conceder nada à beleza dos atores e desfigurá-los completamente.

Uma surpresa adorável, contudo, revela-se na atenção com que Tim Burton filma os costumes dos macacos. Seus gestos simiescos, soando terrivelmente arbitrários para nós, nos chamam a atenção para como terrivelmente arbitrários devem ser os nossos próprios atos vistos de um planeta distanciado. Distanciamento antropológico imediato.

A morte do pai de Thade nos parece o melhor exemplo: o macaco esbraveja, pula loucamente, alcança o teto, volta... Tim Roth, excelente, transita nos dois níveis do patético, do emocional ao ridículo, assim como qualquer velório que se queira muito importante.

Com seu mais novo filme, Tim Burton reinaugura sua obra. Sai da posição de gueto que seus personagens de predileção ocupavam e enfrenta-se com o mundo. Seu conto de fadas não é mais uma acomodação a uma triste condição de menor, mas um clamor ao combate à indiferença.

É uma fábula contra o autoritarismo, mas antes de tudo o autoritarismo de hoje, político (corte de verbas nas áreas sociais, darwinismo social) disfarçado de econômico. Tim Burton reassume seu discurso com todas as forças, e ainda mantém todo seu preciosismo visual intocado, sem prejudicar o relato ou vice-versa. Melhor para seus admiradores."

Arte, Indústria e Poder

2012-01-19T10:10:00.003-02:00

"Tempestade sobre Washington", de Otto Preminger é uma obra destinada a não fixar em seu "turbilhão" nenhuma imagem para o espectador.

Preminger, como se sabe, filma a partir de quadros abertos, de maneira a abarcar uma grande massa de personagens, objetos e situações. O espectador pode se sentir perdido diante do fato de não saber exatamente para que lado ir, uma vez que o filme recusa a retórica dos cortes, ao filmar sempre em longos planos sequências (longas tomadas com breves interrupções).

No filme em questão, trata-se de mais um caso da Corte Democrática norte-americana. Ou seja, de um processo em que personagens fazem o que podem e o que não podem para impor suas “verdades”. O que interessa nessa democracia é, claro, o jogo dos poderes. Preminger filma em câmera baixa as escadarias que conduzem ao podium do Senado, o que reforça o estado de espírito algo megalomaníaco da coisa.

Diante de um quadro em que todos querem provar suas certezas, tal cinema nos conduz, vertiginosamente, de um lado a outro, com o máximo de atenção aos detalhes mais ínfimos. No entanto, nenhuma imagem se fixará. Na verdade, passará a ser negada pela posterior, que, por conseguinte, será anulada de alguma maneira.

A pátria das certezas passa, assim, a ser retorcida de seu interior, ao passo que a iluminação acinzentada reforçará o estado movediço das coisas. A rigor, o diretor filma o fugidio, ou seja, o que logo escapa, sob poder do tempo e das inconsistências.

“Sobre tempo”, é necessário dizer que Preminger capta breves instantes destinados a não perdurarem diante de nós. Personagens do alto de suas posturas são fadados ao afunilamento de suas convicções políticas, dentre outras. Inclusive o cínico senador, vivido por Charles Laughton, tão cioso de si, a carregar em seu corpo e rosto um contorno fantasmagórico, resultado de uma iluminação esbranquiçada a compor o quadro de um museu de cera, decadente.

Ninguém esperava que, diante de um filme que pareça prezar certo “distanciamento” haveria lugar ainda para um momento de melodrama, vivido por um homem chamado Ray: uma referência ao cineasta de mesmo nome- Nicholas Ray- que, tal como o referido personagem lutava por seus princípios, na mesma medida em que tentava se livrar das amarras de um passado?

Como "Tempestade sobre Washington" é quase um “filme de tribunal”, Preminger exigirá mais de seu espectador, a respeitar sua inteligência e sensibilidade. No mosaico proposto, há personagens de ambos os lados a lutar por seus princípios, mas o diretor parece, por um lado, não tomar partido. Ou, por outra, toma um pouco o de quase todos, como a dizer que muitos no mundo apresentam lá “suas razões”. O que não impede que mecanismos políticos sejam trabalhados e dissecados a partir da constatação que “os fins justificam os meios”, de maneira crítica e cruel.

A obra em questão, portanto, nos lançará no centro de um podium de poder para, a partir desse quadro, operar um movimento de descentramento.

Pelos vai e vens da câmera ou dos acontecimentos restarão poucas certezas e, quem sabe, alguma possibilidade de construção. Junto a uma vaga lembrança do tempo segundo Preminger, captado como o esvair das coisas."

Alessandro Coimbra

Arte e indústria 2- Truffaut

2012-01-16T10:27:00.001-02:00

"Fui um bom crítico? Não sei..."

Acho que não havia esnobismo em minhas predileções e aprovava a frase de Audiberti: "o mais obscuro poema dirige-se ao mundo inteiro"; eu sabia que, comerciais ou não, todos os filmes são comercializáveis, ou seja, constituem objeto de compra e venda.

Via diferença de grau entre eles, mas não de natureza e tinha tanta admiração por "Cantando na Chuva", de Kelly-Donen quanto por Ordet, de Carl Deyer.

Continuo considerando absurda e execrável a hierarquia de gêneros. Quando Hitchcock filma "Psicose", quase todos os críticos na época concordam em julgar o tema trivial. No mesmo ano, influenciado por Kurosawa, Ingmar Bergman filma exatamente o mesmo tema ( “A Fonte da Donzela”), mas situado na Suécia do século XIV; todos ficam extasiados e lhe concedem o Oscar de melhor filme estrangeiro.

Longe de mim querer subestimar tal recompensa, insisto apenas no fato de tratar-se do mesmo tema. A verdade é que através desses dois filmes, Bergman e Hitchcock se expressaram admiravelmente e liberaram parte da violência que existe neles.

Poderia citar ainda o exemplo de "Ladrões de Bicicleta", de Vittorio de Sica, do qual sempre se falará como de uma tragédia sobre o desemprego na Itália do pós-guerra...,... Quando o filme nos mostrava- como em um conto árabe, observara Cocteau- um homem que tem absoluta necessidade de recuperar sua bicicleta, exatamente como a mulher mundana de " Desejos Proibidos" precisa encontrar os brincos.

Refuto, portanto, a concepção de que “A Fonte da Donzela" e "Ladrões de Bicicleta" seriam filmes nobres, graves, ao passo que "Psicose" e "Desejos Proibidos" seriam filmes de "diversão". Os quatro são filmes nobres e graves, os quatro são diversão.

.... ( )...

A principal censura que se pode fazer a alguns críticos é raramente falarem de cinema. É preciso saber que o roteiro de um filme não é O filme; é preciso igualmente admitir que nem todos os filmes são "psicológicos".

O crítico deve meditar sobre essa afirmação de Jean Renoir: " Toda grande arte é abstrata".

(François Truffaut, em "Os Filmes de minha vida")

Arte e indústria- parte 1

2012-01-14T14:09:00.005-02:00

Trecho de entrevista com Robert Altman, por Ana Maria Bahiana (1995)

" O que na sua opinião está errado na cultura ocidental?"

R: A ganância desenfreada e o fato de que as pessoas são admiradas pelos motivos errados.

Criamos nossos filhos admirando quem ganha mais dinheiro, ou os mais egoístas, os mais sem escrúpulos, os mais espertos e insensíveis.

É verdade que você só conseguiu fazer "Mash" porque o estúdio deixou você em paz, porque não tinha a mínima ideia do que você estava fazendo?

R: É a mais pura verdade, e foi um sucesso estrondoso. O que prova que o julgamento deles é errado.
Então, por quer eles não decidem tudo na base do cara ou coroa? É só jogar uma moeda e dizer "cara, fazemos o filme do Altman, coroa fazemos o "Estripador 3".

Houve algum momento na sua carreira em que você disse: isto tudo é demais, não vou poder trabalhar neste esquema?

R: Não. Eu encaro. Eu sempre encarei.

Se a Paramount me desse dinheiro para fazer um filme, eu faria. Mas cada vez que ouço um chefe de estúdio dizendo que quer fazer filmes para o denominador mais baixo do público, eu sei que não há lugar pra mim neste esquema.

Você se considera um outsider?

R: Não, estou fora e dentro.

Esse afastamento entre você e Hollywood não se deveria também a mudanças dentro da indústria?

R: Ah, sim...Começou nos anos 70.

Nos anos 80, o marketing dominava totalmente : aprenderam com a tv como saturar os cinemas, como fazer a maior parte do dinheiro nos primeiros dois, três fins de semana. Foi para isso que eles se voltaram inteiramente, e isso passou a ser tudo o que eles queriam saber. A indústria do cinema como um todo se deteriorou, e decaiu do que era: o trabalho do artista.

Estou me referindo a coisas como as comédias, D.W. Griffith, Charlie Chaplin... Tudo isso era arte. Tudo isso surgiu da paixão e do envolvimento do artista. Aí os homens de negócio chegaram e disseram : " Oh, vamos vender isto e ver se é isso que todo mundo quer". E tudo bem. É a função deles: distribuir, vender. Mas, em breve...

Na verdade, isso começou no final dos anos 70, quando eles aprenderam a manipular o mercado. Então, agora eles aprenderam a fazer essas caixas, umas caixas muito atraentes que eles levam para o público. Mas as caixas estão vazias. Aí eles vão em busca de pessoas que possam fabricar; algo para encher as caixas de forma a disfarçar um pouco o esquema delas.

Mas artistas aparecem e Hollywood não quer ter de lidar com eles, mas algumas vezes acaba tendo de lidar."

Negritude

2012-01-06T14:04:00.001-02:00

“Os anos 60, no Brasil, foram marcados pela diversidade musical. Concomitantemente com a MPB, por exemplo, que apostava na ideia das três etnias, surgiram nessa mesma década sensibilidades mais negras do que mestiças.

Nos anos 70, Tim Maia introduziu no Brasil, de maneira idiossincrática, o estilo soul music. Se o tema de letra em “Primavera” (1970), segue os clichês das canções sentimentais, a interpretação de Tim Maia, assim como o arranjo, congruente com o espírito soul, causou a impressão de que algo inusitado teria acontecido com a música brasileira.

Depois da experiência inaugural de Tim Maia, apareceram outros músicos e grupos musicais no Rio e em São Paulo responsáveis pelo surgimento da Black Music - expressão usada à época para designar os grupos de soul music - no Brasil, como Gerson King Kombo, Toni Tornado, e as bandas Dom Salvador e Grupo Abolição e Black Rio. Esta última formou-se em 1976 e trouxe como novidade a fusão do samba com o soul e o jazz, além de contar com instrumentistas e arranjadores experientes.

Constituídos preferencialmente por músicos que professavam a ideologia dos movimentos de afirmação da cultura negra, esses grupos orientavam-se pelo lema “black is beautiful” e pelas interpretações de cantores como James Brown, Marvin Gaye, Isaac Hayes. Essas formações musicais eram responsáveis pela realização dos bailes funk que reuniam milhares de pessoas em clubes, como o Renascença, no bairro carioca Andaraí, e quadras de subúrbios.

Com sua chegada ao Brasil, a soul music introduziu no cenário cultural questões relativas ao movimento dos direitos civis dos negros. Mas o fato é que se criou, com o advento da cultura soul, uma polêmica em torno do conceito de “autenticidade”. Para os críticos musicais de víeis nacionalista e defensores da ideia de MPB- um estilo musical originário do triângulo racial que constituiria, em tese, a brasilidade-, a adoção por músicos locais de um ritmo estrangeiro revelaria uma espécie de cópia da cultura musical de Tio Sam e uma perda das verdadeiras referências brasileiras.

Foi a partir dessa discussão que os fundamentos da crítica musical perderam a sua hegemonia e passaram a concorrer com uma proposta cultural que fortalecia o elemento negro e, em muitos casos, negava a postulação da miscigenação. E foi também a partir daí que os termos “autêntico” e “nacional” passaram a ser ressignificados.

Na medida em que a as chamadas minorias negras passaram estrategicamente a investir num conceito de nação em sintonia com populações negras e periféricas que habitam territórios no Brasil e em outras regiões do planeta, ser “autêntico” passou a ser assumir a identidade negra.

2

A noção de comunidade utilizada pelos rappers remete, num primeiro momento, às mudanças e atualizações por que passaram alguns movimentos políticos e culturais no Brasil. Envolvidos em práticas de certo modo autônomas em relação ao sistema político-partidário oriundo das instituições liberais clássicas, os atores sociais e culturas emergentes promovem um deslocamento do conceito de “nação”.

Os novos atores sociais se propõem conferir novos significados a alguns conceitos legados pelo Iluminismo, particularmente os de “cidadania” e “democracia”, ou a ressignificá-los. Segundo Pelo Gilroy, em “Atlântico Negro”, esta política orienta o surgimento, entre outras coisas, de uma recriação da genealogia em termos críticos e morais.

Marcelo D2, por exemplo, constitui sua identidade musical recorrendo a uma genealogia que coloca como ancestrais tanto os sambistas do partido-alto e repentistas, quanto os músicos norte-americanos do África Bambataa.

Em “Eu tiro a onda” (1998), ele conta com a participação de músicos ligados à linha bossa-novista, como João Donato e Dom Um Romão, entre outros artistas vinculados a tradições musicais diferentes. A letra presta homenagem aos sambistas do partido-alto, propondo a junção do hip-hop com o samba, que prevê, entre outras coisas, o “DJ no pandeiro”.

“Na Humildade”, CD que Nega Gizza lança em 2003, em muito contribui para a discussão referente aos mecanismos alternativos de construções identitárias desenvolvidas pelos rappers.

Na primeira faixa do disco, intitulada “Filme de terror”, Nega Gizza faz uma crítica a um aspecto do imaginário nacionalista muito difundido entre nós, que sustentaria, em tese, o Brasil como Estado-Nação: “país do futebol” e “país do carnaval”, enfatizando o aspecto das desigualdades sociais e raciais:

“País da democracia racial
   da mulatas exportação
   da beleza natural
   Brasil nação feliz
   um país tropical
País da pedofilia, futebol e carnaval”

No final da música, dando prosseguimento à sua avaliação crítica das representações ufanistas do país, Gizza cita o “Hino da Independência” e inverte o significado, ao cantar:

“Não vou morrer pelo Brasil
Não vou morrer pelo Brasil
Não vou morrer pelo Brasil.”

Este tipo de procedimento converge com a maneira como a rapper seleciona ingredientes para criar sua persona, buscando-os, de preferência, no repertório legado pela tradição negra e pelas informações culturais de seu reduto de origem”.

( Santuza Cambraia Naves)

continua...

2012-01-02T16:13:00.001-02:00

Mitos e sua ressignificação- por Liv Sifik

“O problema do branco se coloca, hoje, porque a militância cultural e política negra junto às estatísticas oficiais informam que o Brasil não é só um país de mestiços, mas de negros e pardos, de um lado, e de brancos, de outro.

Caberia aos brancos uma renovada reflexão sobre o seu lugar na sociedade brasileira, para preceder uma ação também de brancos contra o racismo. Pois é necessário não só formas concretas de combater o racismo juntos, mas de tirar o peso do argumento de que, em um país mestiço, está tudo (relativamente) bem.

Os brancos tendem a considerar que “queixas” de quem está do lado de fora são “chatas”, feitas por quem não sabe entrar nos circuitos do poder.

Agrega-se a isso o fato de que é muito mais fácil para os brancos a convivência passiva com hierarquias sociais racistas, muitas vezes “abençoadas” pelo discurso de todos serem mestiços, do que relembrar a escravidão e sua vinculação com injustiças presentes.

Algumas das resistências brancas estão sendo enfrentadas. O resultado do processo - por rappers, organizações e lideranças negras e pessoas negras na vida cotidiana - já se faz sentir.

Mas é preciso elaborar um discurso não só sobre ajustes necessários, mas sobre novas possibilidades a fim de enfrentar a versão conservadora da mestiçagem. E para mudar o quadro de aceitação da rotina do racismo é preciso inventar uma nova versão do Brasil.

Por ser estrangeira e imigrante no Brasil, me preocupa particularmente a necessidade de reinterpretar a mestiçagem nas relações do Brasil com o exterior, embora, em geral, ela continue a fazer sucesso como indicação da maneira ”diferente” como as relações se encaram no país.

Seria preciso mudar porque há um retorno do racismo reprimido na percepção estrangeira do Brasil como lugar onde as pessoas “são mais pobres”, mas se divertem mais do que a gente “- sendo, pois, “invejáveis”.

O Brasil é um lugar de sofrimento e gozo, como o humorista Macaco Simão nos lembra; de uma “convivência extraordinária entre a alegria e o caráter trágico da vida”, como disse o filósofo francês Clément Rosset.

Mais concretamente, lembremos das visitas turísticas a favelas, os shows de mulatas - agora orientados especialmente para estrangeiros como turismo sexual. Ou seja, a imagem do Brasil no exterior tem gênero e cor, é uma mestiça.

A revalorização da mestiçagem não data só das primeiras décadas do século 20. No Brasil Colônia se valorizava mestiços por que eram considerados melhor adaptados ao trabalho nos trópicos e por ter meio caminho andado entre o negro e o branco. Impossível pensar o Brasil sem essa história.

Um exemplo de como a mestiçagem não significa fusão se encontra na “máscara católica sincrética” do candomblé. Essa máscara nunca aderiu completamente.

É preciso repensar a mestiçagem sem tentar ordenar uma cena cultural complexa como a brasileira. Repensá-la precisamente para recolocar em pauta mundial sua potência sutil e pujança múltipla.”

( Liv Sifik- professora da escola de comunicação da UFRJ)

Nota do pós- -Natal

2011-12-28T10:26:00.016-02:00

Filme deveras repetido na tv, o que não servirá de desculpa para não comentá-lo. Por ser razoavelmente conhecido, que certas considerações parecem “necessárias”.

Edward Mãos de Tesoura

A personagem que encontra Edward - o “monstro” – é ingênua vendedora de cosméticos. Mas Burton- o diretor-, prefere focar ironicamente os consumidores.

Afinal, o curso da história segue e suga certas pessoas atreladas a um modo de vida como ganha pão, em um tipo de sociedade que não ofereceria muito mais à vista. As consumistas, em “Edward”, seriam histéricas moldadas, em processo de perpetuação de seus espelhos frívolos.

Edward comparece como uma espécie de visor para a sociedade norte-americana. Carrega consigo o excesso e as faltas: as várias tesouras seduzem, ao mesmo tempo em que evidenciam uma falta mais ampla- humana e cultural.

Num primeiro momento, ele será aceito entusiasticamente. Num segundo, será punido. Um mundo que não sabe observar seus espelhos transfere a agressão para o indivíduo supostamente não humano, “fabricado”. Embora, por não ter sido fabricado exatamente em laboratórios, Edward prolonga a natureza criativa da espécie humana, já que uma falha na mecânica de produção o tornará, a um tempo, “estranho” e artista.

Temos, portanto, uma interessante carnavalização realizada pela obra. O indivíduo “fabricado” torna-se humano, ao passo que as possíveis pessoas de carne e osso seriam pré-fabricadas, por moverem-se como tais.

Converter beleza em artifício atroz parece ser o caminho mais banal, inscrito na sociedade dos supérfluos.

Edward passa a fazer o oposto. Converte qualquer artifício em arte.

Algumas das cenas mais memoráveis na obra são aquelas em o protagonista recria a natureza homogênea- artificialíssima-, produzida como enfeite de moradia dos habitantes no local.

No entanto, a engrenagem atroz não suportará uma criatura alegórica, geradora de uma arte de exposição e reposição de vida. Algo que a comunidade parece desconhecer ao viver em função de um modo de vida industrial/ estandardizado.

Tim Burton, diretor da obra, perpassa com rara habilidade diversas fábulas ( “Frankenstein”, “A Bela e a Fera”...), e as contextualiza para o mundo contemporâneo.

Sua arte consiste em converter firula, supérfluo, vestígios materiais, - lixo orgânico e inorgânico de cultura-, em reciclagem estética consistente. ( Oriunda, a rigor, de um raro casamento de neoexpressionismo com art pop).

“Edward mão de tesoura” , além de obra encantadora não deixa de ser expressão da arte por si mesma."

A.C.

Em Sala: O Imperativo da Imagem depressiva

2011-12-21T10:32:00.001-02:00

Maria Rita Kehl:

“Uma hipótese é de que aceleração de nossa experiência do tempo produz o esvaziamento da vida psíquica. E as pessoas que não estão deprimidas no sentido clínico podem estar se queixando desta mesma sensação de vazio e falta de vontade de viver.

Esse sentimento corresponde a uma vivência que é quase reduzida a uma experiência permanente de você responder a estímulos.

Nesse sentido, se houver cura, provavelmente uma experiência possível de desaceleração poderia promover, a médio prazo, que algo da vida psíquica pudesse se recompor. Porém, essa aceleração não depende tanto da pessoa querer ou não: está inscrita no ritmo do capitalismo contemporâneo.

Claro que a alta competitividade no campo profissional estimula as pessoas à aceleração. Vivemos respondendo aos desafios, às demandas, aos estímulos e ao que esperam de nós. Então você pode falar nesse esvaziamento na medida em que se começa a responder aos “padrões”.

Embora seja paradoxal, porque vivemos em uma sociedade muito livre, no sentido de que não há uma imposição de forças sobre as pessoas, uma imposição rigidamente moral.

Não há uma sociedade muito religiosa, militarizada, mas há uma imposição da imagem. E a tentativa de responder permanentemente a essa imposição de imagem é vivida como um impositivo.

E talvez a depressão, em relação a isso, sofra o pior tipo de culpa, que é a culpa por não conseguir obedecer ao preceito que aparentemente lhe seria favorável.

O que é distinto da culpa que o sujeito sente quando contraria seus impulsos: uma moral rigidamente repressiva, por exemplo, que não permite o prazer. O sujeito se sentiria culpado por não responder, mas de certa forma perceberia que é uma moral que vai contra seus impulsos.

Hoje a moral aparentemente vai a favor. Você TEM que se satisfazer, ter tudo de bom: objetos, sexo, lazer e, ao mesmo tempo, subliminarmente, todo esse tempo é atravessado pelo tipo de ritmo do tempo do trabalho.

Vamos pegar o exemplo da publicidade, que é muito boa como analisadora da cultura.

Como é que os bancos fazem publicidade? Não mostram o sujeito numa fila, nem num escritório, num lap top, preocupado. Motram o sujeito numa rede, numa ilha paradisíaca, ligando para o banco a fim de pedir como aplicar melhor o dinheiro. Do tipo: “Se você perder esse bonde, você ficou pra trás”.

O Português Brasileiro

2011-12-10T17:54:00.004-02:00

Algumas vezes nesse espaço foi falado sobre Oswald de Andrade, Mário, Carlos Drummond, Adoniran Barbosa, Noel Rosa,... Com o intuito de procurar entender o que seria uma tal “língua brasileira”.

O primeiro movimento de busca de uma literatura mais autônoma no Brasil foi o romantismo. Mas, na maioria das vezes, celebrava-se nossa exuberante natureza e nenhuma pesquisa viável sobre cultura propriamente dita chegava a ser feita, ou bem era ignorada. Em José de Alencar, a natureza brasileira representa o paraíso, mas tal "Éden" só seria completo em casamento com a cultura do colonizador.

Lima Barreto, pré-modernista, consumou uma linguagem mais despojada, a ponto de ser tratado pelos monarcas da língua de então como escritor de incorrigível desleixo. Além do mais, negro. Hoje, percebe-se, encontra-se entre nossos melhores.

Machado de Assis, igualmente mulato, “se escondia” atrás de um narrador de certa casta brasileira.

Sua narrativa era a voz de um protagonista casmurro, volúvel, incapaz de lidar com certas situações como a de , por exemplo, aceitar viver, sem dramas de consciência, com uma mulher que chegara a estabelecer amizades com homens (na obra Don Casmurro).

( Muitas ainda confundem o narrador com o escritor, tal como a crítica Pauline Kael fez em um texto sobre "Rastros de Ódio", chamando John Ford, o diretor da obra, de racista, pelo fato de seu protagonista sê-lo em demasia. Qual seja, não soube separar o cineasta do personagem doentemente obsessivo).

Com o Modernismo propriamente dito, milhares de arestas deixadas por românticos, parnasianos e etc. seriam ironizadas e limadas. Sem o esforço, talvez não houvesse Graciliano Ramos, Carlos Drummond, Murilo Mendes, Clarice, Guimarães Rosa, entre outros e outras.

Contudo, com o empenho grandioso de autonomia e pertinência de um linguajar, não conseguiríamos escapar ainda de Marquês de Pombal em muitas esferas, desde que o mesmo impôs uma língua oficial, unificada e lusitana para o Brasil. Simultaneamente, o mesmo marquês que dinamitava a educação brasileira, ao empregar professores na base do “espontaneísmo”, em que o critério era a falta de critérios.

Um tanto por conta isso, nossas petições são mais demoradas, nossos exercícios jurídicos morosos, etc. Somos um país de burocracias infindáveis e tudo isso, claro, passa pela língua, já que a mesma significa poder.

E, no caso formal-formalista, marca de “status”, reconhecimento social.

Brasileiros sempre buscaram marcar sua distinção pela língua, em que profissões ditas “respeitáveis” exigiam uma mimese (cópia) do léxico mofoso pombalista.
Ou seja, quem falasse mais para “brasileiro do que para português” (Noel Rosa) sinalizaria seu locus de “cozinha da nação”.

Nos anos 50 e 60, com a brecha de ditaduras anteriores, como a de Vargas, o país experimentou um imenso crescimento cultural: música, teatro, arquitetura, cinema, em que muitas das lições modernistas passaram, enfim, a serem incorporadas por artistas e outra parte da população. Mesmo que antes disso, músicos como Noel Rosa ou Lamartine Babo, em plena ditadura anterior, exploravam a autonomia e abertura nos modos de se expressar.

Em 1964, houve -pra variar um pouco- outro golpe militar e, posteriormente, um terrorismo mais acirrado, com a instalação do AI-5 em 1968. Tornaríamos, com isso, a regredir para o oficialesco oligárquico, em nome da “integração e da segurança nacional”.

Com Médici no poder, a educação era redinamitada, em busca de um modelo industrialista de fragmentação dos saberes mecanizados, entre outras “intempéries inócuas”, como diria algum dicionário bestialógico.

Com o advento das Diretas (nem tão diretas assim, por obra e graça de nosso colegiado eleitoral), assumiria o oligarca José Sarney como presidente do país, com seu linguajar bacharelesco. O mesmo-mesmíssimo político do outrora partido único da ditadura.

Afinal, falamos Português, mas não nascemos em Portugal. Nossa região é muito maior, composta por uma população muito maior e mais diversificada.

Nosso português ganha contornos distintos do de Portugal, como o provam a literatura de Carlos Drummond, Guimarães Rosa, Noel Rosa, Lamartine Babo, Clarice Lispector e, claro, a própria Ciência da Língua- a chamada Linguística, a questionar os moldes dessa gramática normativa que herdamos de Marquês de Pombal.

E quanto tempo já tem isso mesmo? "

A.C.

Cooperifa- Saraus

2011-12-03T15:41:00.001-02:00

" Com a efervescência cultural, os moradores passaram a se apropriar do lugar e ter orgulho da região. “Isto traz uma transformação social muito grande. Antes as pessoas tinham que atravessar a ponte para ter cultura, hoje as pessoas tão vindo do outro lado da ponte para consumir a nossa,” avalia Márcio.

Dificuldades

Muitas dificuldades apareceram no caminho para manter a Cooperifa independente de patrocínios, apoio de Ongs e mandatos políticos. “Já cortaram minha água, a luz,... É aquele esquema de sonhador, tudo o que vem, vai. Mas era um bagulho que se eu não tivesse feito eu teria morrido”, descreve Vaz.

Se a Cooperifa nasce, subjetivamente, da necessidade cultural dos moradores da periferia, objetivamente ela vem de uma ideia de Sérgio Vaz, após assistir uma reportagem sobre a Semana de Arte Moderna de 1922.

No primeiro evento ampliado, planejado para ocorrer mensalmente, não apareceu ninguém além dos poetas. “Então vai ter quarta-feira que vem”- falei. Achavam que eu era louco, já que não tinha vindo ninguém, mas na periferia a gente precisa investir nos bagulhos. Na outra quarta, 18, pessoas chegaram e aos poucos foi aumentando”, conta Vaz.

Disseminar a palavra

O sarau nasceu porque conhecíamos diversos artistas e todos com as poesias guardadas nas gavetas.

Josuel Medrado considera que o extremo sul de São Paulo é a região onde acontece a maior produção popular de cultura, independente de patrocínios, governos, etc.

“Teve a produção cultural autoral, com os Racionais MC´s , depois disso foi a Cooperifa que possibilitou a disseminação do pensamento acerca dos saraus e de diversas atividades artísticas na região”.

Aos poucos, a ideia foi ultrapassando as fronteiras de São Paulo e atualmente existe o sarau Bem Black, em Salvador, o sarau do Coletivoz, em BH e o saral do Bezerra, em Porto Alegra, todos inspirados na experiência da Cooperifa. “Não é só aqui na nossa quebrada, porque isso vai borbulhando”.

Formação cultural

Atualmente, A Cooperifa possui relações e produz cultura para vários cantos do país. “ É muito comum encontrarmos pessoas de outros estados e até outros países que vieram acompanhar o sarau.

“Aqui, nunca pensamos em salvar ninguém, é a cidadania através da literatura. A gente transforma o cidadão que muda a comunidade”, explica Vaz. Ainda há o Cinema da Laje, onde filmes e documentários de cineastas da periferia são exibidos na laje do Zé Batidão. Além disso, A Cooperifa organizou quatro edições da Mostra Cultural.

O poeta Valmir Vieira, freqüentador há nove anos, conta casos em que, após participarem do sarau, poetas voltaram para a escola. “É um trabalho de difusão da literatura em um país, onde até as escolas não valorizam a leitura”, opina o escritor Rodrigo Ciríaco.

Também é muito freqüente histórias de pessoas que começaram a escrever após freqüentarem a Cooperifa. Esse é o caso dos poetas Delurdes e Luciana, que frequentam o sarau há seis ou quatro anos, respectivamente. “Fazia algumas poesias antes, mas comecei a escrever de verdade depois que vim aqui. Tinha medo e vergonha de expor as poesias, passei um ano até começar a declamar”, conta Luciana.

“Sou daqui, mas não conhecia o universo literário que a periferia tem, como se a gente morasse dentro de um casulo e não conhecesse nada ao redor e de repente a Cooperifa me abriu o mundo”, relembra Delurdes.

" A gente veio na esteira do hip hop, que já tinha dado o grito, já tinha lançado a ideia da periferia, e começamos a ter noção do nosso pertencimento, que a ideia não era se mudar da periferia, mas sim mudar a periferia”, observa Vaz.

Para Márcio Batista: “Rompemos uma barreira muito grande, de produzir cultura de periferia na periferia mesmo e se manter ali. Não precisar sair daqui para ir a um grande centro e ter visibilidade”.

(Da Reportagem de Otávio Nagoya).

Cooperifa- A periferia por ela

2011-11-28T09:50:00.001-02:00

Aqueles que lotavam o Zé Batidão, localizado na periferia da Zona Sul paulistana, aguardavam ansiosamente o início do Sarau da Cooperifa, que ocorre toda quarta-feira, “faça chuva ou faça sol”, como avisa o fundador Sérgio Vaz.

Porém, o dia 19 de Outubro foi especial. Além de chegar à marca de 500 saraus, a Cooperifa completa 10 anos de resistência cultural. Para a comemoração, cerca de 500 pessoas se espremiam alegremente no Zé Batidão.

Às 21 horas, quando o poeta Sérgio Vaz e outros colaboradores se reuniram em frente ao microfone, o ambiente se modificou. O barulho produzido pelas conversas e debates deu lugar a um respeitoso silêncio.

“O silêncio é prece. É uma prece mesmo. O cara chega na quebrada e vê 200 pessoas reunidas em volta de um bar pela poesia. E não é festa. É silêncio, é comungar a palavra, comungar o respeito”, explica Vaz.

Após um momento de celebração e abraços, a atividade continuou normalmente. “Queremos que o artista conheça sua comunidade e que a comunidade conheça seus artistas”.

“Durante duas horas, mais de 50 poetas declamaram seus textos. Depois do aplauso da galera, eles voltavam para seus lugares, se misturando com o público, e assistiam as declamações seguintes. Era difícil diferenciar artistas e espectadores”.

Passado imediato

Porém, essa efervescência cultural nem sempre foi a realidade da periferia de São Paulo.

“Nos anos 80, a Zona Sul foi considerada um dos lugares mais violentos do mundo e ninguém queria morar aqui”, relembra Márcio Batista, poeta e fundador da Cooperifa.

Durante muito tempo, moradores da Cooperifa tiveram seu direito à cultura negado. Para Rose Dória, poeta e fundador, a situação ainda é a mesma, “se você parar pra pensar, quanto se paga para ver um show, uma peça de teatro ou filme de cinema?”.

“Então, a cultura continua não acessível, o que mudou foi que resolvemos fazer por nós mesmos”.

Para Josiel Medrado, poeta e morador da zona Sul, durante muito tempo a articulação e produção cultural da região foi fraca. “Aconteciam somente coisas eventuais e esporádicas, não existia um movimento de ação cultural, isso começa com a Cooperifa”.

“Todo mundo sabe que na periferia não tem teatro, nem cinema, nem biblioteca. O único espaço público que o governo deu foi o bar. Então, vamos transformar o bar em centro cultural”, incentivou Vaz.

Periferia por ela mesma- 2

2011-11-21T10:42:00.002-02:00

( Mano Brown fala com Renato Rovai):

Movimento Zapatista:

Sou mal informado sobre isso. Todo movimento que é pra defender quem sofre sou a favor. Que seja da partilha, tô dentro.

A periferia já ta armada. Só que na periferia é tudo alienado. Eles só conseguem enxergar o inimigo aqui no meio deles. Mas o inimigo não está perto de nós...

Racionais:

Agora, a mídia e muitas pessoas veem a gente como atração de circo, a mulher barbada, o homem que engole espada. Os “maluco” é preto, do Capão (Redondo) e até que não é tão burro.

De uma hora pra outra aparecem uns malucos da periferia cantando rap, falando uns barato. Os caras não estão acostumados a ver sair pessoas da periferia com ideias.

É como se fosse um barato excêntrico. É, eu acho que o Racionais é excêntrico...

A Educação Branca:

A cultura européia vê o negro como coadjuvante, só na sombra.

A maioria dos pretos que entram nas escolas de branco e vira doutor fica chato pra caramba. Ele não é preto. E também não é branco. É igual um braço querer ser igual a nós. Ele tá sendo um barato que ele não é.

Sonho:

Todo mundo acha que eu tenho que falar em prol de um grande número de pessoas, só que eu falo do que tá do meu lado. Os problemas dos camaradas. Eu quero que todo mundo da quebrada, da região, viva bem.

Só que cada um tem um sonho diferente do outro.

USA

...( ) Quanto aos Estados Unidos, se o mundo for acabar, vai começar por lá.

Agora, uma “pá de bagulho” que vem de lá é da hora. Tudo o que é chique é americano. Não dá pra negar. A pior burrice é criticar o que é da hora e fingir que não é.

O Brasil também é um país da hora, só não sabe, não descobriu. A culpa é do nosso governo, que é igual puta que perde status. Não bate bem.

O que falta ao Brasil é um governante à altura para defender os interesses do país. O governo americano defende os interesses dele.

Ser ruim:

Ser ruim é o cara que não perdoa. Ou que troca uma amizade para conseguir alguma coisa por dinheiro.

Classes e conflitos sociais:

Não li muitos livros. Tem muito discurso pronto: “O pobre é coitadinho e o rico é filho da puta”. Na verdade, quem tá por baixo sempre é coitado.

Só que tá do jeito que o diabo gosta.

Religião:

Eu freqüento uma igreja evangélica aqui da quebrada. Já simpatizei com o candomblé.

Agora, quando minha família ia pro candomblé, não tinha nem pra comer. O candomblé mexe com coisa que não é da alçada do ser humano.

Eu acho que existe uma força maior. Acredito em Deus, que Jesus existiu mesmo, que ele fez o que falam. Não que eu vá seguir pessoas. Se eu tentar me espelhar num crente, vou me danar. Tem que ir pela palavra, não num ser humano que é igual a mim.

Todo mundo quer analisar a religião pelas pessoas.

Você pode encontrar pessoas boas e pessoas más numa igreja. Você não pode seguir o homem, mas a palavra.

Se fosse para seguir o homem não existiria Deus e essas coisas. Como pode existir a criatura? Precisa de criador. É outro assunto.

Mídia:

Ajo como um preto deveria agir. Digo não pras coisas que todo mundo acha que eu deveria dizer sim. Nós não precisamos disso aí ".

Gotas de Realismo- parte 1

2011-11-16T09:53:00.002-02:00

“A periferia por ela mesma”- Mano Brown ( 2001)

1-Violência, Paz e consumo:

Qual das violências? A do revólver? Há vários lados a analisar. Uma é a do desemprego, ainda mais com tanta competição.

Tem muita arma na rua. Falta comida, mas tem arma. É o circo do cão.

Hoje tem um monte de coisas “bala” pra comprar, mas falta dinheiro. Isso desperta mais cobiça ainda.

Por outro lado, tem o dinheiro. Todo mundo quer ter. E aí o ladrão tem mais respeito que o trabalhador. Até pra sociedade.

Por isso, a molecada, filha daquele pai que já sofreu pra caralho, que não tem nada, que mora no barraco, não quer viver igual ao pai...Quer ser notório. Quer ser notado. Quer seu espaço.

Ele não é ninguém pro governo, não é ninguém pra patrão dele, pra mulher dele, pros vizinhos dele, “não é ninguém.”. Aí quem faz o crime é notório, “é alguém”.

O mundo é violento, o sistema é violento. Hoje o que manda é o ter. Quem não tem “não é”.

Se você pode consumir, “você é”. Senão, “você não é”.

As pessoas veem muita televisão, o que é vendido na televisão. Você quer ser o cara da TV. Compre o Startac, “se você não tem, é vacilão”. “Tem que estar a pampa no dia a dia”, senão as minas te veem como um prego.

2- O Povo Brasileiro:

O brasileiro não confia muito no Brasil, não confia na melhora, não confia no vizinho. Não há sentimento de união.

Não tem esse povo brasileiro que o pessoal fala. Tem um monte de gente. O Brasil não tem um povo. O que é o brasileiro?

3- Alienação e Bandidagem:

É o que eles estão conseguindo. O crime é alienado. Os criminosos na periferia não são políticos, não têm ideologia. São alienados:

É ouro, puta, motel, roupa de marca, carro de playboy. Não têm ideologia, têm merda. Eu vivo na periferia, eu vejo o que é.

4- Dignidade:

Eu sou um homem, não sou uma peça, um móvel. Mas eu vejo que aqui as pessoas são tratadas como móvel velho.

5-Drogas:

Elas não desestruturam só a periferia. O que existe em toda periferia é tráfico. Droga é problema geral. Se bobear, até o presidente dá uns pegas. Mas rico, se passar mal, vai pra clínica.

Na periferia, não, a guerra do tráfico da droga mata. Sem a droga, a periferia já é desestruturada.

6- A Polícia

A polícia não reprime, representa, faz teatro. A polícia não repreende nada. É mais um Trabalhador que está enganando o patrão, que nesse caso é o povo.

“Eu vou dar um role pra aqueles lados, se eu catar um otário-vacilão, eu mando.

Se a bocada tiver dinheiro e der pra eu catar um cara, eu cato; se não tiver nada também se dane, não é meu filho”. É desse jeito.

Esse espírito do vamos combater o crime para o bem da população não existe. Não tem nada disso. Ele nada mais é que um criminoso com farda.

Agora o que dá nojo é que ele é um cara que muitas vezes sabe das coisas. Mas lá na polícia, dentro da corporação, não sobra ninguém. Uma vez eu estava numa delegacia e vi um policial chegando pra falar com o comandante dele. Aí o comandante berrou:

“Volta pra trás, cadê seu chapéu?” O cara parou e o comandante mandou: “Eu te chamei pra você entrar aqui? Volta pra trás, pra lá, mais pra lá”.

Mandou ele voltar três ou quatro vezes.

Agora solta aquele cara na rua e você é o primeiro a trombar com ele numa favela. Na hora ele pensa: “Vou tirar a neurose é nesse aqui”.

( Continua...).

Papéis em Minnelli- Meet me in St. Louis ( 1944) : ( Nota)

2011-11-12T17:16:00.000-02:00

“A sensibilidade artística de Minnelli estava em sintonia com os anseios femininos e com a ansiedade masculina, e um excesso de ambos torna este musical inexoravelmente dramático.

O patriarcado surge na forma algo estúpida e rabugenta de Leon Ames, que tenta afirmar sua autoridade em face de uma família esmagadoramente feminina.

A série de namorados das garotas também precisa ser instigada, manipulada e informada de seu verdadeiro destino conjugal."

Ps- Próxima postagem- A periferia por ela mesma.

The Bad and The Beautiful- Notinha

2011-11-12T16:47:00.003-02:00

A convicção de Shields ( Kirk Douglas) , o personagem produtor, de que está fazendo uma grande arte - compartilhada por seu contador !- pela qual vale a pena sacrificar a vida de outras pessoas torna esse filme ainda mais perturbador quando o diretor Minnelli nos permite vislumbrar exatamente o tipo de espetáculo "exagerado" e arrogante que acabou sendo menos "bem-sucedido" do que produções mais modestas.

Sabemos que, na filmografia de Shields, preferiríamos ver “A Maldição do Homem-Gato"- referência ao filme b "A Marca da Pantera" no lugar de "A Montagem Distante".

Os Supers- papéis

2011-11-08T10:05:00.004-02:00

“Um cartaz muito eloqüente”, Por Marina Colasanti

“Não sei como ela consegue”, diz o cartaz. Abaixo, chamativo, o título do filme “Se é fácil, o homem também pode aprender”. E a indefectível Sarah Jessica Parker avança a passos seguros recortada sobre fundo infinito.

Não tenho a menor intenção de ver o filme, o cartaz já é todo o programa. Lá vem ela, sorrisão, cabelão, recém-saída do cabeleireiro. Veste terninho de saia bem curta, e blusa de bolinhas, com laço. Bolinhas e laço estão ali para dar uma amaciada feminina no terno escuro.

E o primeiro recado já está dado: ela obedece às normas ditadas pelo mundo corporativo dos homens, mas sem perder o ar sexy.

Na mão esquerda, essa jovem mulher, que parece começar o dia cheia de energia e entusiasmo, empunha um tablet ou iPad. Não se vê exatamente a marca, porque está na capa rosa choque. No ombro, carrega - mas sem nenhum esforço visível - uma bolsona enorme, cheia, de onde escapa um brinquedo de pelúcia.

E o segundo recado está dado: madame tem filho pequeno e é mãe extremosa, mas isso não perturba a disponibilidade com que avança no universo do trabalho.

Pendente do braço direito está uma pasta grande, que tanto pode conter um computador - quem sabe, para alguma apresentação em power-point - quanto pode ser um book. E na mão, pronto para ser atendido no ato, o celular. O terceiro recado está dado: esta bela mulher não perde uma, está sempre e totalmente conectada com o mundo.

Há mais um recado, menos explícito, mas não menos eficiente: os sapatos. Altíssimos, vertiginosos, nem por isso impedem o incidir firme. E alguém duvida que sejam daquele famoso estilista, o das solas vermelhas cujo nome propositadamente não cito, que ela popularizou na série “Sex and the city”? Recado: na natureza feminina nada se perde, tudo se incorpora; o saltão e a passada, a sensualidade e a eficiência, a garra, a maternidade, a moda.

Estou equivocada ou, repaginada e com acréscimos, temos aí de volta a Mulher Maravilha, que tanto combatemos no passado?

E graves são os acréscimos porque, àquilo que já era insustentável, agregou-se agora o duplo modelo “produtora/ consumidora”. Produtora feroz no trabalho, consumidora de engenhocas eletrônicas, de moda, de cosméticos, de luxo, enfim, de mercado.

Na França acaba de ser publicada, pela Editora Seuil, em três volumes, uma “Histoire de lá virilité”. Como a identidade feminina, a masculina tampouco é espontânea e natural. Ambas obedecem a modelos que a sociedade gera e que, de forma sutil ou nem tanto, impõe. São percursos complexos.

Quarenta especialistas reunidos para realizar essa verdadeira enciclopédia do homem chegaram à conclusão de que, construída ao longo de séculos, por meio de mitos, das guerras, das necessidades econômicas e geográficas e da mais recente revisão feminista, a "virilidade" é muito pesada para se carregar, e constitui tremenda armadilha.

Escapar desses modelos não é fácil. Lutamos para nos livrar de um e já um outro nos cai em cima. Um cartaz como esse tem pelo menos a virtude de nos alertar para a lentidão das modificações comportamentais e para nos dizer que ainda não chegou o tempo de desligar o sinal de alerta".

Estereótipos nos papéis

2011-10-31T10:12:00.003-02:00

Desde a vinda de Caminha ao país que já foi formada a cartilha portuguesa: uma visão exotizada dessa terra , que seria, em grande parte, copiada por nossos poetas e romancistas no movimento romântico.

Claro que, em pouco tempo, o olhar "de fora" para os índios chegaria para os negros, que precisaram ser igualmente estereotipados a fim de serem escravizados e, dessa forma, lançados para os guetos.

Temos - gratias- hoje certas mulheres do funk- mais espertas- a mencionar o estereótipo da "mulata exportação".

E, já antes disso, Noel Rosa a cutucar os estereótipos, gerados por gringos, em uma música sobre leilão brasileiro: a "ideia de mulata" ( não a mulata real ) ficou tão estereotipada que, em sua canção "Quem dá mais?" vende-se o país inteiro ao exterior junto às chamadas "mulatas de exportação".

E como somos servis a olhares "de fora".

Ps- Uma dessas visões estereotipadas- e já desmentida por várias vezes-, é a de que o negro seria necessariamente "melhor de cama do que o branco", ou de que o latino-americano seria, nesse quesito, melhor do que um europeu, por exemplo.

O que se comprovou é que nem sempre o que aparece como tal se dá- literalmente (?)- entre 4 paredes. Ou seja, que as coisas são mais individualizantes do que um mito generalizante.

Papéis sexuais no Brasil

2011-10-25T21:24:00.000-02:00

1- Realizamos, em 2010 e 2011, uma análise quantitativa e qualitativa de periódicos impressos segmentados que, pela sua natureza, ao venderem estilos comportamentais e

de vida, aproximam sobremaneira o discurso jornalístico do discurso publicitário.

A análise foi realizada no ano de 2010 com as seguintes revistas: “Playboy”, “Veja”, “Nova” e “Atrevida”. Para efeitos de comparação, foram analisadas no aspecto quantitativo as publicações dos EUA congêneres – “Seventeen”, “Playboy” (EUA), “Cosmopolitan” e “Time”.

A pesquisa demonstrou que a presença de negros na mídia dos EUA é ligeiramente maior do que no Brasil: a média é de 8,7 por cento contra quase 9 dos EUA. A diferença seria insignificante não fosse pelo detalhe de que a população negra no Brasil é, segundo os dados, superior a 50 por cento contra 15 por cento nos EUA.

A distorção, portanto, no Brasil é muito maior do que nos Estados Unidos.

2- Na edição da revista “Nova”, de junho de 2010, a primeira imagem de uma mulher dentro da coluna “Over” é a de uma moça com pele mais escura. Logo abaixo, aparece uma mulher branca, mas usando dread locks, tipo de penteado oriundo dos negros rastafáris.

No mês de setembro, na mesma seção, verifica-se duas informações eivadas de caráter preconceituoso: primeiro, a referência ao cabelo da cantora negra Rihanna como “over” ( exagerado) - e também o tererê, tipo de trança muito utilizada por meninas negras.

3- Objetificação da Negra-

Claro: A mídia objetifica a mulher ao colocá-la dentro da perspectiva de um objeto de consumo, daí sua forte presença imagética nos meios de comunicação como participante de um pacote de venda de sonhos. As publicações masculinas trabalham nesta perspectiva.

Entretanto, no caso específico da mulher negra, há uma radicalização dessa objetificação.

Nas poucas vezes em que modelos negras posam para a revista “Playboy” é ressaltado o caráter de puro objeto sexual, acima inclusive de, por exemplo, qualidades profissionais. Mas no caso das mulheres brancas, o discurso da “Playboy” se inverte: a nudez das mulheres vai no sentido de revelar uma face oculta de uma mulher que se estabeleceu, primeiramente, como celebridade por atributos outros ( em geral, como atriz de telenovela da Globo).

No caso da mulher negra, o fato de ela ser atriz aparece como “plus”, uma cereja no bolo, pois o que se ressalta nela é a “ideia da mulata”.

Senão, vejamos:

Em um concurso feito pela revista chamado “ a bunda mais bonita do Brasil”, várias modelos foram submetidas a votação dos leitores e as mais votadas tiveram a imagem de suas bundas publicadas na edição de outubro de 2010.

Quando se tratava de mulheres negras, as fotos publicadas sequer se preocupavam em mostrar rosto: apenas a bunda. Já quanto às mulheres não negras, embora as fotos focassem suas bundas, os rostos eram mostrados.

Esta perspectiva da objetificação radicalizada da mulher negra se coaduna com o que é tolerado dentro de uma dimensão do escondido, do “irreverente, do exótico” e não como parte de um processo social brasileiro.

4- Concedendo um espaço insignificante para os afrodescendentes - inferior até mesmo aos Estados Unidos, país com percentual de negros três vezes menor do que o nosso- a mídia cria pinceladas de participação negra em determinadas situações nas quais ela aparece sempre como algo exótico e voltado para a satisfação de curiosidade, de desejo sexual “diferente”.

Colocado nestes termos, a sociedade do consumo construída pela mídia permite uma pequena participação de negros e negras, mas sempre como objetos de consumo sexual/ folclórico.

A transfiguração de que fala Otávio Ianni da sociedade em mercado, não transforma o cidadão negro em consumidor negro, mas sim em objeto de consumo. Este é o lugar do negro na construção e reconstrução social operadas no país.

(Dennis de Oliveira- professor da Escola de Comunicação e Artes da USP. Coordenador do Centro de Estudos Latino Americanos sobre Cultura e Comunicação e membro do Núcleo de Pesquisas e Estudos Interdisciplinares sobre o Negro Brasileiro.

Papéis sexuais- 2

2011-10-24T10:01:00.002-02:00

....( ) " Temos também o personagem de Louis Jourdan em "Gigi", um dândi que parece estar no mundo apenas para desfilar e desprezar as mulheres, até que se apaixona, sabe-se lá por quê, pela graciosa jovem do título.

É mais um personagem minnelliano, cuja masculinidade não responde pelo que a sociedade entendia na época.

Em "Chá e Simpatia", temos uma mulher cerceada pela sociedade da época. Em meados dos anos 50, numa cidade interiorana dos anos 50, dominada por ignorantes e machistas, ela faz o que pode para evitar um linchamento moral de um "rapaz delicado" que se apaixona por ela ( algo que ela só descobre no terço final).

Mas o que ela pode é pouco, pelo tanto que é tolhida pelas convenções. Assiste às humilhações impostas pelos machinhos do campus ao "sister boy". O que ela esconde, inclusive dela mesma, é que ela também se apaixonou pelo esse rapaz, que de sua janela no apartamento de cima fazia uma "serenata invertida" enquanto ela cuidava do jardim."

( Luiz Carlos Júnior e Sérgio Alpendre, em texto sobre obra de Vincente Minnelli).

( Continua...)

" O sexo e seus papéis" - 1 ( em sala)

2011-10-21T11:44:00.000-02:00

Como o tema tem voltado à baila em rodas de amigos, salas de aula e facebooks, aí vai:

“O que pretendemos neste texto é ver de que maneira alguns temas considerados pouco masculinos segundo uma sociedade ainda machista surgem nos filmes do diretor Vincente Minnelli como forma de nos mostrar uma visão mais multifacetada da masculinidade.

De que maneira, para Minnelli, as noções do que é ser homem ainda eram completamente equivocadas naquele tempo, como se um homem não pudesse costurar, ser cabeleireiro, coreógrafo, bailarino ou decorador.

Numa linha semelhante, é como se um homossexual não pudesse ser bom de briga, jogar futebol, caçar ou realizar alguma outra prática associada ao universo masculino.

É importante notar que, uma vez que os questionamentos feitos nesses filmes ainda encontram eco em nossos dias, a conclusão a que podemos chegar é que a sociedade pouco progrediu nesse sentido nos últimos cinqüenta e tantos anos.

Em “Herança da Carne”, Theron é o rapaz de temperamento artístico que se encontra dividido entre a educação refinada da mãe e os modos machistas do pai, um rancheiro do Texas.

Temos a “feminilidade” do humanista interessado nas artes contra a masculinidade do guerreiro do século XX, caçador de animais selvagens. São dicotomias há muito desmanteladas, mas Minnelli as costura de modo a enredar uma série de subtemas.

Já em “Chá e Simpatia”, Tom é um jovem de 17 anos cuja masculinidade é questionada desde o momento em que colegas universitários o vêem costurando em companhia de mulheres mais velhas. Começam a chamá-lo de “sister boy.”

O pai, em visita esporádica ao campus da faculdade, presencia uma partida de tênis, e nela percebe que a torcida para seu filho é bem diferente da que queria encontrar - um grupo minoritário de nerds-, e a torcida adversária é formada por sarados atletas.

O filme atrasa um bocado, propositadamente, a revelação que esclareceria se o sentimento que Tom sente por Laura, a esposa de um dos professores, é de amor de um homem por uma mulher ou de comunhão de dois espíritos semelhantes. A engenhosidade de Minnelli está outra vez nas entrelinhas.

Estas permitem a intuição de que o sentimento poderia ter ambos os lados, o da sintonia espiritual e o da atração carnal, apesar de Minnelli, a certa altura, deixar meio evidente que é o segundo lado quem comanda.

( ).... Temos, assim, um herói que prefere tomar chá e conversar sobre artes ou ficar sozinho ouvindo música, a ir a farras universitárias e festas de pijama, rituais das comunidades universitárias americanas.

Temos também uma mulher dotada de enorme coração, que entende os problemas da sociedade e os ruídos de comunicação entre os homens.

Por fim, temos um ideário de comportamento masculino que oprime a todos, vítimas e algozes morais.

Em “Chá e Simpatia”, lidamos então com preconceitos profundos, com uma noção redutora e específica de masculinidade ( palavra repetida a todo momento dentro do filme), uma noção que anula todas as outras”.

Luiz Carlos Oliveira Júnior e Sérgio Alpendre.

(Continua...)

Em sala: Cinema e Nazismo- 2

2011-10-17T11:11:00.005-02:00

ARQUITETURA DA DESTRUIÇÃO / Undergångens Arkitektur / The Architecture of Doom (1989), de Peter Cohen

"Conhecemos o nazismo pelos seus efeitos: a guerra, os campos de concentração, o genocídio – em suma, um período de trevas sem precedentes na História. Conhecemos bem menos seus fundamentos.

É sobre eles que trabalha este documentário realizado pelo diretor Peter Cohen.

Cohen procura entender como raciocinavam Hitler e seus seguidores, a partir da missão que se atribuiu o nazismo: embelezar o mundo.

Não é um ponto de partida inédito. Sabe-se que Hitler tinha a obsessão de regenerar a Alemanha – e a Europa – a partir dos conceitos de beleza e saúde.

A demonstração, ao contrário, é. O paradoxo nazista, para ele, é: como conceber um mundo dominado pelos ideais de beleza e saúde e chegar aonde chegou? Para buscar uma resposta convincente

o diretor revirou arquivos em toda a Europa, EUA, Israel.

Aqui, entra o papel das imagens. Conhecem-se muitas ideias de Hitler: seu culto à Antiguidade, o temor do caos,

a alergia ao que considerava degeneração.

Mas como elas constroem um pensamento político, um sistema de crenças? Como, enfim, arquitetam a destruição?

É a isso que só as imagens podem responder.

Basta ver artistas, médicos, arquitetos com uniformes militares (bem antes da guerra) para entender o caráter nefasto da proximidade entre arte, ciência e poder.

Esse caráter se evidencia sobretudo na propaganda produzida pelo nazismo. Cohen justapõe essas peças:

Uma exposição de "arte purificada" e outra de "arte degenerada", um documentário sobre os efeitos tenebrosos da miscigenação (difundia-se a crença de que ela era responsável for deformações

e criava-se disposição favorável à eliminar essas vítimas do passado) e outro conclamando a população a confiar em seus médicos.

Mais adiante, confrontam-se as ruínas de Atenas aos projetos arquitetônicos de Albert Speer.

Daí a propor a extinção dos judeus, a volta da escravatura, a eliminação de civilizações inteiras é um passo. E essas ideias não se tornam menos monstruosas só porque se mostram em seu funcionamento sistemático. Ao contrário.

É quando mostra a sua face humana que o nazismo é mais tenebroso.

Nos faz lembrar que os caminhos do mal são bem menos lineares do que tendemos a acreditar. Pior, que não existe um nazismo morto e exorcizado.

Ele foi um fenômeno cotidiano, em certos aspectos ameno, quase delicado.

Expor essa natureza e os perigos que traz – para

o futuro –, fazê-lo com clareza e inteligência são aspectos que tornam Arquitetura da Destruição um trabalho documental e histórico primoroso".

(I.A.)

Estética Nazista no cinema- 1

2011-10-17T10:47:00.010-02:00

"TRIUNFO DA VONTADE (1935),

 de Leni Riefenstahl"

Leni Riefenstahl, autora de

O Triunfo da Vontade, ainda

é um problema.Como situá-la?

É artista ou propagandista;

nazista ou testemunha

de seu tempo?

Cada nova visão do Triunfo

embaralha as cartas.

Esse documentário não é,

em princípio, mais do que

o registro filmado

do congresso de 1934,

em Nuremberg, onde se reuniram

os líderes nazistas

e seus adeptos.

E a estética de Riefenstahl

é nazista.

A beleza dos

planos baixos

não exalta o homem–

essa instituição falível–,

mas a perfeição do homem.

 Perfeição física,

pois o nazismo recalcava

as imperfeições,

dando-as como indesejável

consequência da miscigenação".

 (I. Aráujo)

Nazi-beleza ( continuação) e violência

2011-10-11T10:15:00.001-03:00

No o mito: “As garotas bonitas”, em 2007, uma garota de 12 anos chamada Maddison Gabriel causou frisson no desfile de moda Gold Coast, da Austrália. Um blogueiro observou com indisfarçável cinismo: “crianças também conseguem ser “hot”.

Em maio, a apresentadora Xuxa foi saudada pela mídia por aparecer ladeada por duas jovens gêmeas, de 14 anos e, segundo a mídia, tornou-se espécie de madrinha das meninas para tornarem-se modelos. Essa carreira tem sido apresentada como ideal para “garotas bonitas”. Só não falam dos problemas da profissão, nem de como meninas que supostamente não são assim tão “bonitas” devem fazer. Resta a frustração.

“Ser violento é sexy” é o outro mito defendido pela escritora. Em diversos filmes, a violência contra garotas é apresentada como natural e punitiva. Neles, tanto as garotas “boas” quanto as garotas “más” são assassinadas com o mesmo prazer.

Uma série de filmes de terror muito apreçada por jovens, Sexta-feira 1, apresenta as garotas que fazem sexo como libertinas que, portanto, devem ser severamente punidas.

“Praticamente a cada vez que há uma cena de relação sexual, em que são mostradas longas cenas com garotas adolescentes seminuas, o matador mascarado ataca”.

No videogame da série “Grand Theft Auto”, os jogadores têm oportunidade de estuprar, espancar e assassinar prostitutas.

Também peças publicitárias apresentam a violência contra mulher como sexy. “As imagens de violência contra as mulheres estão em toda parte: nos outdoors, nas revistas, etc.”

Um anúncio da Dolce and Gabbana exibe um homem fazendo sexo com uma mulher, enquanto outros estão parados em pé, assistindo. A cena sugere um estupro sendo praticado por uma gangue. No anúncio, a modelo é bonita, tem olhar ardente e aparenta estar excitada. “O estupro pela gangue é implicitamente justificado”, afirma Durheim.

Outro anúncio da Cesare Paciotti “ mostra um homem pisando sobre o rosto de uma bela mulher que usa batom vermelho”.

( Continua...)

Nazi- beleza ( parte 1)

2011-10-06T09:25:00.008-03:00

A professora de jornalismo e comunicação de massa da Universidade de Iowa ( EUA), Meenakshi Gigi Durham, identifica os mitos criados pela mídia no tratamento da sexualidade com efeito nocivo para o desenvolvimento das meninas e a liberdade das mulheres.

É imposto às crianças e jovens certo padrão de beleza. E, como as imagens de garotas estampadas nas revistas são irreais, as meninas têm que comprar produtos que vão de cosméticos às cirurgias plásticas para atingir a perfeição de serem “sexies”, e outros aspectos de suas vidas são relegados a segundo plano. A socialite Paris Hilton é a principal modelo a ser seguida, assim como o grupo Pussycat Dolls.

Grifes como Victoria´s Secret e cantoras como Aguilera, Britney Spears, Lady Gaga e suas similares pelo mundo afora se apresentam como paradigmas.

Durham faz sua abordagem demonstrando que a mídia destinada aos jovens é em boa parte dirigida por mulheres, mas sujeitam-se à vontade do deus mercado. E a mídia usa essa fase de descoberta das adolescentes, inculcando-lhes ainda mais insegurança a fim de vender seus produtos.

Segundo Durheim, “examinar com rigor esse efeito permitirá desvendar os mitos que compõem o espetáculo da sexualidade das garotas na cultura pop convencional.

“A sexualização das meninas nos ambientes aparentemente seguros, não realistas e fantasiosos da mídia e da publicidade age com o fim de legitimar o uso da sexualidade das garotas para fins comerciais.

As imagens difundidas não são reais nem realizáveis, “corrigidas” por softwares de computador criam perfeições inexistentes- em meio à páginas sempre acompanhadas de anúncios de beleza.

A mídia é tão persistente que a confusão fica ainda maior na cabeça das adolescentes, e o apelo já é feito para crianças de até 8 anos de idade. Segundo Durheim, há brinquedos nos USA da chamada “Dança do Poste” destinados a meninas de 1 a 2 anos.

Recentemente, a APA apresentou um relatório no qual afirma que tal exposição na maioria de revistas, televisão, videogames, videoclipes, filmes e letras de música são nocivas para o desenvolvimento de garotas adolescentes.

O que pode levar “à complicação da auto-estima, depressão e anorexia”, entre outros aspectos. A pesquisadora Durham mostra que na mídia convencional “já não se diferencia mais anúncios de matéria jornalística”.

Em seu livro, detecta cinco mitos nos quais a mídia se baseia para vender mais produtos:

Um deles é “A Anatomia de uma deusa do sexo”. O modelo visto como ideal para as garotas tem de ser: magra, de preferência loira de cabelos longos, ao estilo Boneca Barbie. Para tanto, publicitários chegam ao disparate de vender cremes para branqueamento de pele na África e na Ásia.

Segundo Durheim, até produtos proibidos nos países de Primeiro Mundo por ameaças à saúde, são vendidos aos demais. “As indústrias da moda, das dietas, dos exercícios físicos, dos cosméticos e da cirurgia plástica geram lucros anuais de bilhões de dólares” e confirma “ a publicidade é a espinha dorsal da mídia”.

(Continua...)

Photo- A capa da revista Veja foi escollhida pela passagem: " Elas queriam ser da Marinha, atletas, modelos... ".

Por meio da manchete em texto e subtexto - mensagem subliminar- parece que se trata de tudo o que uma mulher poderia ser a fim de que Seja, em conformidade com a ideologia em praxe.

Planeta dos nazistas- 2

2011-10-03T11:18:00.009-03:00

Os neunazismos apresentam várias formatos. Alguns mais diretos, como no caso dos garotos de universidade que aterrorizaram uma “gorda”.

Seja no caso de estudantes de uma escola particular que agrediram rapazes em São Paulo.

Há mesmo os que atearam fogo em índios, julgando ser os mesmos mendigos. Ou vice-versa? Sonetos de Hitler, por emendas de Mussolini.

Outra dessas formas, bem conectada às anteriores, encontra-se nas pesquisas realizadas por Joana de Vilhena Novaes.

Seu primeiro livro chama-se “O insustentável peso da feiúra”, em que a doutora em psicologia clínica abordou certo número de pessoas insatisfeitas com seu próprio corpo:

Segunda a pesquisadora, “ há pessoas que limitam sua vida social, deixam de ir à praia ou mesmo às festas. Muitas não namoram. Chamamos esta doença de dismorfia corporal.”

“As clássicas anorexia e bulimia se juntam hoje à ortorexia, que é a compulsão por alimentos
naturais, e à vigorexia, que é a dependência de exercícios físicos.”

“ As múltiplas intervenções cirúrgicas também entram nessa lista. Importante ressaltar que esse grupo de doentes da beleza é um número exponencialmente crescente.”

“O interesse pela cirurgia como forma de emagrecer está causando distorções. Pessoas que não têm o peso suficiente para a indicação da cirurgia preferem engordar até chegar ao ponto certo para ser operadas.”

“Outro tipo de operação que está crescendo é a cirurgia da intimidade. Por meio de métodos abrasivos, mulheres têm procurado médicos para clarear, diminuir ou aumentar o clitóris. Existem até adolescentes que, insatisfeitas com seu clitóris, fazem cirurgias para tentar se adequar a algum modelo que idealizam. Em breve, teremos um boom de modelos de genitálias”, diz a pesquisadora.

“De modo geral, a cosmetologia da genitália tem crescido muito. É hoje uma das grandes buscas das mulheres de classe média e alta.”

Segundo Joana, “a necessidade de se adequar aos padrões está acabando com a autoestima dessas mulheres”. Se elas não se sentem esteticamente adequadas, chegam a reprimir sua sexualidade.

“Já na primeira infância, os pais exercem uma regulação ferrenha, como fazem a si mesmos. Trata-se de um discurso imposto em que elas passaram a acreditar. Não é apenas uma questão de autoestima. Quem não se enquadra sofre uma exclusão real.”

“O resultado de tudo isso é que as doenças relacionadas à imagem emergem de forma violenta. O sujeito passa a ser o algoz do próprio corpo.”

(Joana de Vilhena Novaes é pesquisadora do Centro de Pesquisas de Psicanálise de Medicina da Universidade de Paris e criou o Núcleo de Doenças da Beleza da PUC-RJ)

Excerto de sua entrevista para Martha Mendonça.

A pesquisadora está para lançar a obra “Com que corpo eu vou?”.

Em Sala-ou na "Caverna"

2011-09-29T10:43:00.018-03:00

A publicidade atualmente tem investido com força em produtos que se colocam como hiperpotentes com o fim de morte para vários germes. E, quando se mata muitas bactérias, o sistema fica indefeso. A tendência nessa história é sacrificar bactérias neutras, fortalecendo as demais.

Quando a “limpeza” étnica era e ( é) justificada em nome da biologia, das ciências, a expressão aplicada era eugenia. Uma reportagem sobre a obsessão com germes aplica o termo higienismo.

No filme de Tim Burton, “O Planeta dos Macacos”, seres tidos como inferiores precisavam ser tratados com luvas. Além de sujos, os cientistas diziam que “aquelas espécies” eram portadoras de terríveis doenças.

Muita das vezes, os menores se transformavam em bichos domésticos para agradar aos bebês de seus patrões. E tal como negros na história, personagens eram marcados com ferro em brasa em sinal de que eram “escravos”. Ainda que alguns reconhecessem que havia muito talento por ali, naquela cultura.

Sabemos hoje que o jazz, uma grande manifestação da música, passou a ser uma arte aproveitada até mesmo por músicos eruditos. Ainda assim, os artistas permaneciam (permanecem?) marginalizados.

A soul music é vinculada ao gospel, o blues aos spirituals: arte negra.

O Brasil passou, em dado momento da história, a não exportar somente matéria prima, mas cultura, com a música de Tom Jobim dando curso ao processo iniciado em Cartola, Noel, Radamés, Ary Barroso. A base era, claro, o samba.

Lembremos que Avenida Rio Branco, quando criada no Rio del Janeiro, então capital do país, optou, em nome da tal eugenia ( biologia, ciência) pela exclusão dos negros, imigrantes e cia de seu seio. Os excluídos foram fazer seu samba no morro.

Mas a história do carnaval é mais perversa do que isso e ainda voltaremos a ela. Já que o Bar Zicartola- de Cartola e sua esposa- se tornaria uma escola para toda uma geração: Chico, Paulinho da Viola, Tom, João,...

2-

Retomando o "Planeta dos Macacos", de Tim Burton:

Segundo os cientistas , seres ditos “inferiores” procriariam mais rápido, e em uma forte cena no filme há a tentativa de prova de que não possuíam alma.

Por outro lado, a tecnologia comparecerá como a grande ameaça, proveniente de “outro mundo”. Aliás, o nosso:

A possibilidade de se ter e usar uma arma, assim como máquinas fotográficas como forma de “registrar” tipos “não adequados”, a intensiva comunicação eletrônica como forma de buscar um “suspeito” imigrante, junto a capacetes e demais artefatos compõem uma carnavalização à maneira de Tim Burton, sua delicada e expressionista alegoria de modos de vida.

O diretor partiu de uma superprodução de gênero e, paralelo a ela, foi acrescentando seus típicos elementos na composição expressionista das imagens: faces mergulhadas em rio, construções rupestres, cavernosas a apontar para o céu, tais como castelos góticos em mundo de fortes aspectos medievais.

Haverá na obra desde o narcisismo das limpezas até a composição da decrepitude, numa inversão de perspectivas, em que alguns rostos remetem a uma pintura barroca de Goya.

O tom do patético proposital vai se tornando um tipo muito específico de horror, em que as coisas não parecem existir para agradar aos espectadores, em meio ao cenário de superprodução em massa: fios soltos, uma batalha filmada em meio à névoa, ao poeirento...Anticlímaxes, enfim.

O “herói”, após uma batalha que liderara, talvez com o intuito mais de garantir sua sobrevivência do que qualquer outra coisa e, assim, poder retornar a seu planeta, símbolo de “lar e avanço”, não passará de um homem frágil diante da personificação do horror em um tipo de pedra instalada no topo da construção emblemática: a estátua de Lincoln, hierática, a simbolizar um totem, um deus primitivo, sem nenhuma relação com os supostos ideais da “pátria da democracia”. “Magia” e ciência se encontram em chave crítica, soturna.

Qual seja, o atmosférico, o indefinido. É nesses planos finais que a iluminação estará mais para a do final de "Vertigo", de Alfred Hitchcock: nevoenta e tumultuada: a paranóia e a "magia" do Mal imiscuídos na América do progresso.

Para alguém como Tim Burton interessará o outro lado. O que espelhos narcísicos pouco refletem de imediato. O outro lado do roteiro. Da superprodução.

Não se trata tanto de um belo país que havia se deteriorado por conta de guerras, etc. Mas de um Mal que sempre esteve por ali, rondando, em meio à maquiagem de “sonho americano”, que os planos, de esguelha, procuram caçar e sugerir, a indicar uma linha evolutiva de uma crueldade rupestre a uma “sofisticada”.

(Continua...)

Fotos- O vermelho e o negro atualizam a "modernidade" de Poe e Baudelaire.

Howard Hawks, Tim Burton

2011-09-27T10:31:00.006-03:00

“Eu é um outro.”

“Esta língua será de alma para alma, resumindo tudo, perfumes, sons, cores, pensamento fisgando o pensamento e puxando. O poeta definiria a quantidade de desconhecido, que desperta em seu tempo...

...A poesia não dará mais ritmo à ação; ela tomará a dianteira.

.. .Quando for quebrada a infinita servidão da mulher, quando viver por ela, tendo-lhe o homem, até agora abominável, dado dispensa, será poeta também ela! A mulher encontrará o desconhecido!

Diferirão de nossos mundos de ideias. Achará coisas estranhas, insondáveis, repugnates, deliciosas: toma-las-emos, compreendê-la-emos....Mas inspectar o invisível e ouvir o inaudível sendo diferente de retomar o espírito das coisas mortas.”

(Arthur Rimbaud)

Michael Mann- Nota

2011-09-22T10:45:00.022-03:00

Em Colateral, os pontos mais altos se encontram no prólogo e no epílogo. Quando recorre mais à dramaturgia, seu filme parece menos interessante. Já nas construções de atmosferas é que ganha sua força.

De início, temos a poesia urbana, com suas muitas vistas a passear por ali, entrevistas por meio do retrovisor de um carro, a refletir um grande painel metropolitano, composto tanto por uma dimensão de sonho acordado, quanto pela de isolamento, solidão e prisão na selva.

Haverá, diante disso, o espaço para um mosaico de acompanhamento musical, que vai desde a música erudita, passando pelo pop e até o jazz, conforme o filme vai se desenvolvendo, com a noite se tornando madrugada e a poesia urbana se fazendo evidentemente crepuscular. Momento em que trilha e imagens remeterão a mudas reflexões.

Na mesma medida em que o filme ganha mais fôlego, Mann faz com que sua câmera busque vários tipos de ângulos a um só tempo, construindo um labirinto vitrificado, de concreto, em que desencontros urbanos passam a ser projetados em um âmbito mais individualizado, nessa busca por ar ou libertação.

É preciso aqui sempre correr mais, fugindo ou buscando, um tanto como em O Pagamento Final, de Brian De Palma, cujo desfecho se passa também em um metrô.

Será possível não somente observar a relação do cinema com a música, como tornar a respiração de cada rosto decisiva em suas implicações meditativas, com o recurso digital a intensificar a condição sensorial e mesmo tátil desse cinema.

Em termos de história, saberemos que o vilão Tom Cruise foi alguém privado de sonhos, tornando-se um robô programado na selva. Já para o protagonista, trata-se de ser ou não sugado pela mesma possibilidade.

Trata-se de dilemas desenhados digitalmente em uma cenografia pós-moderna, na qual os riscos de alienação do desejo e da morte da consciência, em uma provação de aventura policial, se fazem enormes.

Prolongando, de certa maneira, um grande filme de De Palma, inserindo-o em um contexto metropolitano atual, Colateral tende somente a crescer.

Revisões- Luis Buñuel

2011-09-20T09:57:00.024-03:00

O Anjo Exterminador

A rigor, um experimento do cineasta espanhol Luis Buñuel em torno de burgueses trancafiados em uma casa. Os cortes e a câmera acompanham vai e vens de seres que se debatem como em uma gaiola, um pouco como “Os Pássaros”, de Hitchcock.

Mas se há aqui algum tipo de purgação, como no caso do citado filme do mestre do suspense, ela se encontraria no momento em que , por fome, os personagens chegam a sacrificar as ovelhas da dona da casa, ao passo que falas afirmam que faltaria ainda muito para que se chegue à ovelha pura.

Para o cineasta, por mais que se tente purgá-las, certas elites não conseguem escapar de seu próprio eixo.

É nesse ambiente de prisão, com cada qual aliado à sua mania, soberba e chaga, que poderemos entrever, pelo tipo de montagem e movimentação de câmera empregados , a condução em espiral de outro filme do diretor, “O Alucinado” , em que, se passando em ambiente composto igualmente por abóbadas e reentrâncias tipicamente barrocas, o protagonista, inconscientemente, devora-se a si mesmo de forma paulatina, crescente.

São obras de aparência clássica que, aos poucos, revelam-se possuídas por um timbre espanhol nada distante da pintura de um Rembrand e, principalmente, de Velázquez, em seu provocativo e algo sutil, desenvolto descentramento.

Continuadoras, portanto, de uma herança e de um estado de espírito de um barroco espanhol, mais afeito aos círculos do que às retas.

Ao acompanhar as reentrâncias dos espaços foi preciso suspender o sentido mecânico do tempo, transformando-o em um grande presente perpétuo, alucinatório, de forma que os seres não tanto recorressem a seus jogos representativos, de cartas marcadas.

Teríamos, agora, personagens acuados pelo instante distendido ou pelo fantasma da morte- habitualmente escamoteados pela pompa de "respeitabilidade" no cotidiano de grupo.

Em " O Anjo Exterminador" e "O Alucinado" , Buñuel revela-se em exímio domínio de sua arte . Virtuosístico, mas sem grande alardes, como o Jean Renoir de “A Regra do Jogo”.

(Continua...)

Homenagem Glauber

2011-09-16T10:09:00.008-03:00

Viva a técnica que hoje nos permite tirar o apêndice sem dor, mas cuidado com ela quando começa a metrificar tanto o soneto que, no final das contas, provoca tudo menos o mais: isto é, poesia.

O cérebro eletrônico que domina "Alphaville" tolera a superplanificação acreditando nos bons resultados do homem. O pior é que ninguém mesmo sabe o que o homem deseja depois de casa, comida, educação e saúde. O cérebro se esqueceu disso.

Por isso, quando Lammy Caution revela ao Cérebro a “poesia”, o Cérebro degringola, entorta os filamentos, enlouquece.

Godard não investe contra a tecnologia porque ele mesmo a utiliza em seus filmes através da perfeita conjunção imagem/som. Mas como Godard despreza a técnica em função da estética, a técnica, para ele, entra como infra e não superestrutura...Paga o preço.

... ( )... Alguns artistas, evidentemente, conseguem o sucesso a partir da crítica: Visconti, em Rocco, é exemplo. E Visconti apelou para dramalhão operístico sem o menor pudor. Rocco, foi, antes de tudo, “obra de inspiração” que escapa à razão.

E a super - razão que os teóricos vêm querendo impor através dos tempos criou, ao lado de muitos esclarecimentos, muitos obstáculos à criação artística. Os teóricos, não quero atacá-los impunemente, defendem sempre uma ideologia. E a ideologia é própria dos teóricos, dos dominadores.

Nada, porém, mais insuportável para um artista do que uma ideologia que lhe determina caminhos ou finalidades. A finalidade ideológica de uma obra de arte, quando atingida, vem muito além de uma legislação estética. É o caso de Visconti que, sendo marxista, logrou resultados quando foi dominado pela “inspiração irracional”.

Jean-Luc duvida e quando pergunta o que não é para não ser perguntado, choca. É como Van Gogh pintando o que não era para ser pintado.

O que Godard pergunta é sobre a boa ou má consciência, sobre a falibilidade da máquina, do intranscendente.

Liberdade é problema relativo em nosso tempo... Sofre de funcionalidade e, nestes casos, a melhor coisa é meter uma granada na boca dos poetas, sujeitos que, há anos atrás, eram tidos como loucos, porque passeavam com suas amadas na lua.

Razão, pois, como liberdade, é questão de tempo e seria muito pedantismo achar que por aqui, no planeta Terra, as coisas estão em grande progresso. Há uma pobreza cultural enorme. Nunca se falou tanto em liberdade, nunca se perseguiu tanto artistas e intelectuais.

O artista, inquirindo sobre o real, pode até declarar falência na máquina. Ela não pode, por exemplo, fazer alguém experimentar tom de primavera: isso gera morte, é ilógico.

Dr. Van Braun, em Alphaville, quer condenar Lemmy Caution à morte”.

( Glauber Rocha)